En 2017, il y avait plus de médias que jamais auparavant dans l'histoire de l'humanité, et ce qui semblait être douloureusement peu d'attention à consacrer à tout cela. Même en tant que critiques de musique professionnels rémunérés, il y avait beaucoup d'albums qui nous ont échappé au départ, ou que nous n'avons tout simplement pas réussi à couvrir. Donc, ici, chaque membre du personnel de Spin présentera son album préféré de 2017 qui s'est senti négligé par quelqu'un ou tout le monde. La liste contient un sous-sous-genre pour à peu près tout le monde : le road-trip slacker rock ; art pop suprêmement étrange; la méditation jazz enivrante de la Nouvelle-Orléans ; pop suédoise sombre et sensuelle; le rap magistral de Chicago ; punk-pop australien décousu et énergique; néo-psych sans faille ; électro-R&B K-pop; dub industriel abstrait; Ambiance de danse woozy et lo-fi d'un gars qui s'est en fait nommé d'après Seinfeld . Amusez-vous.
Radiateur Hôpital
Jouez les chansons que vous aimez
(Salines)
Au cours des trois années écoulées depuis la sortie de l'hôpital Radiator quatre pièces de Philly en 2014 acclamé toute la longueur Chanson de la torche , le leader et architecte en chef Sam Cook-Parrott s'est occupé, sortant un certain nombre de singles séparés, un EP avec le duo Katie Crutchfield / Keith Spencer Great Thunder et un album éponyme comme la moitié de The Afterglows. Mais en octobre, le ballade punk est revenu avec un nouvel album de son groupe de bricolage vétéran - un LP sous-estimé, Jouez les chansons que vous aimez , qui présente toutes les pierres de touche d'un classique de Rad Hos : des mélodies qui vous donnent envie de chanter, des rythmes qui vous donnent envie de danser, des paroles qui vous font soupirer de reconnaissance et d'appréciation. Bien que cette sortie soit peut-être plus mélancolique que les précédentes (l'un des moments les plus émouvants de l'album, sur Nothing Nice, présente la ligne répétée et ceinturée que j'aime abandonner), Jouez les chansons que vous aimez tire toujours l'universel du personnel, nous donnant un ensemble de chansons qui ressemblent à des entrées de journal passionnées. Les chansons que vous aimez ne vous sembleront jamais aussi bonnes que sous la lune d'été rouge sang, chante Cook-Parrott sur la chanson titre de l'album, nous rappelant toutes les façons dont nous étions autrefois et toutes les façons dont nous avons changé.— DREW SALISBURY
ECOUTEZ: Camp de bande
Alex Lahey
Je t'aime comme un frère
(Océans morts)
Alex Lahey, arriviste de Melbourne, en Australie, âgé de 25 ans, joue de la punk-pop décousue et énergique avec une honnêteté incroyable qui est aussi pertinente que tout ce que vous avez entendu cette année. En tant qu'auteur-compositeur, Lahey a le don de démêler les contradictions à la vue de tous et de mettre l'accent sur les sentiments conflictuels. Sur Je t'aime comme un frère , son premier long métrage, Lahey frappe son rythme avec des chansons comme Perth Traumatic Stress Disorder, sur la piqûre de visiter la scène d'un récent chagrin d'amour, et I Haven't Been Taking Care of Myself, un hymne d'autodérision sur le côté effets de l'engouement. Il y a des troubles relationnels à droite et à gauche; l'album entier pourrait être une triste affaire, si ce n'est pour la bonne humeur égale qui brille à travers sa profusion de riffs de guitare flous inspirés du surf. Rien ne vaut la chanson titre jubilatoire, qui n'est pas une déception romantique, mais un témoignage de l'amour entre grandes sœurs livré avec un soupçon d'acceptation à contrecœur authentique. Nous n'avons pas le choix, alors restons ensemble, Lahey chante à son vrai frère cadet, et vous savez qu'elle pense chaque mot. — ANNA GACA
Ecoutez: Camp de bande | Apple Musique
valeur nette de johnny whitaker
G Herbo
Humble bête
(Groupe de divertissement machine)
Pour autant que la musique de forage ait acquis la réputation de rompre les traditions, les débuts commerciaux de G Herbo, Humble bête , est un excellent album de rap par convention. Sur une collection de boucles soul avec de l'espace pour respirer - Thelonious Martin évoque Just Blaze; Rappel des contributions de DJ L Plan -era Kanye avec plus de charlestons - le joueur de 22 ans se penche sur les détails narratifs et les concepts structurels, crachant certaines des chansons les plus techniquement compétentes de l'année. Malcolm est une chronique de cinq minutes, Linklater-esque, de la vie et de la mort d'un Chicagoan du sud, d'une portée épique, ancrée par de petits moments de traumatisme et ses conséquences. Sur Everything, Herb itère sur le titre de la chanson, serrant le mot pour tout ce qu'il vaut. Comme toujours, il est préoccupé par les exploits et les tragédies du passé, une vulnérabilité qui se transforme en apartés cérémoniels. Pendant l'outro sur Crown, Herb se souvient de la première fois qu'il a vu la légende de Chicago Bump J, en vedette sur la chanson, alors qu'il rentrait de l'école avec sa sœur. Avant que Man Now ne se déploie, il annonce avec désinvolture, Tu sais que je viens de la ville du chagrin, homme / Introduction moche, neige rouge / Chagrins d'amour, déchirements, maux de tête. Ce travail a une longue mémoire et une plume acérée. — TOSTEN BURKS
ECOUTEZ: Spotify | Apple Musique
tony shawkat
Tové Lo
Lèvres bleues (Lady Wood Phase II)
(Île)
La musique de Tove Lo a toujours été à propos de l'euphorie entrelacée et de la nausée du sexe et de la drogue. Je dois rester défoncé / Tout le temps, a déclaré son hit américain Habits (Stay High), qui s'ouvre sur un couplet sur le fait de vomir après une soirée sexuelle. Bien sûr, le sexe et la drogue sont pratiquement ce dont parle toute la musique pop, mais le chanteur suédois s'est taillé une place spécifique dans ce genre grâce à une explicite vivifiante. Il n'y a pas de clin d'œil dans sa musique, pas d'allusions aux tartes ou aux gâteaux ou à la chantilly. Laissez-moi être votre guide quand vous mangez ma chatte, elle chante à une autre femme sur les chiennes, l'une des nombreuses vedettes de son récent album Lèvres bleues (Lady Wood Phase II) . Pourtant, il pourrait y avoir quelque chose de fantaisiste dans sa personnalité s'il s'agissait simplement d'une volonté de rendre le sexe en termes très réels. Le refrain du premier single disco tits de l'album va, je transpire de la tête aux pieds / Je suis mouillé à travers tous mes vêtements / Je suis complètement chargé, les mamelons sont durs / Prêt à partir, mais c'est épinglé à une chanson bouclée et détournée qui n'atteint jamais tout à fait l'apogée disco-pop kaléidoscopique qu'il menace d'atteindre. Cette folie décalée donne à la chanson une autre couche d'authenticité, plaçant l'auditeur au bord du rasoir d'un club haut, où perdre le sens du temps et du lieu est à la fois exaltant et désorientant. L'album suit ces traces, superposant des chansons qui semblent nager à l'intérieur d'elles-mêmes, comme ne demandez pas, ne dites pas, un autre moment fort, qui flotte en quelque sorte, ne perdant jamais le rythme ou ne se rapprochant jamais vraiment. Dans cet espace aqueux, la vie nocturne est présentée dans toute sa splendeur désordonnée, où les poudres et les pilules vous délivrent à la fois du mal et du mal. L'album se termine par une ballade dissociative intitulée hey you got drugs? C'est à vous de décider s'il s'agit d'un appel ou d'un plaidoyer. — JORDANIE SARGENT
ECOUTEZ: Spotify | Apple Musique
Christian Scott et Tunde Adjuah
La trilogie du centenaire
(La corde d'un dopant)
Le trompettiste de la Nouvelle-Orléans Christian Scott aTunde Adjuah a toujours abordé le jazz comme faisant partie d'une construction communautaire plus large au lieu de son propre truc exclusif, une perspective qui donne à son travail un pouvoir malléable. Après avoir évoqué l'histoire du jazz avec justice sociale dans Les yeux de Katrina en 2007, Scott a élargi son champ d'action cette année pour La Trilogie du Centenaire : Rebel Ruler, Diaspora, et La procrastination de l'émancipation , une collection de trois LP qui commémore le 100e anniversaire des premiers enregistrements de jazz.
Tout comme à l'époque où elle s'appelait jass, la trilogie travaille avec l'idée du jazz comme mode plutôt que comme genre.Alors que son champ d'application (batterie africaine, trap et bien sûr les cuivres de la Nouvelle-Orléans) est un argument de vente, La trilogie du centenaire est plus convaincant en tant qu'arc. Le style 808 Souverain rebelle se termine par le thriller océanique The Reckoning. Diaspora est le deuxième acte expansif qui est sans forme presque à la faute, une envie de voyager qui porte ses fruits dans La procrastination de l'émancipation , une finale mettant en vedette les Ashes of Our Forever incroyablement sanguins et une refonte de la bande vidéo de Radiohead. Comme l'Original Dixieland Jass Band avant lui, Scott est sur quelque chose de spécial. — BRIAN JOSEPH
Ecoutez: Apple Musique
Murs de salon
Opposés
(Espion du Nord)
Murs de salon est un groupe de trois musiciens de Brooklyn qui joue quelque chose Comme punk rock, mais évite la dynamique typique des power-trio et leurs tropes associés. Alyse Lamb aboie et ricane et produit des ondes de guitare cristallines ; Kate Mohanty joue un saxo alto hurlant qui a bien plus à voir avec Albert Ayler qu'avec Lora Logic ; Chris Mulligan largue d'une main des bombes synth-bass dignes de Death Grips tout en martelant sa batterie de l'autre. La première fois que je les ai entendus, lors d'une émission de bricolage en 2015, ils ont repris une chanson de Wire. Opposés , le premier album de Parlour Walls en mars, est un digne héritier de l'héritage de ce groupe. Ses chansons mêlent urgence rythmique et ambiguïté harmonique, visant à tromper et déstabiliser plutôt qu'à matraquer et rosser. La couverture de l'album, avec une vieille photo ensoleillée d'une jeune fille jouant dans un arroseur de banlieue, fait allusion aux filtres Instagram et à la nostalgie millénaire facile des années 80 et 90. Mais quoi Opposés présente est, eh bien, le contraire : un regard d'acier et non sentimental sur la façon dont nous sommes façonnés par nos histoires, avec un son qui embrasse le chaos et le bruit du présent et parfois même se dirige vers l'avenir.— ANDY CUSH
ECOUTEZ: Camp de bande
Velours rouge
Perfect Velvet: Le 2e album
(Divertissement SM)
Depuis leurs débuts en 2014, les polymathes K-pop Red Velvet ont oscillé entre les deux moitiés sonores reflétées dans leur homonyme : pop vibrante (velours) et R&B slinky (rouge). Sur leur dernier effort et deuxième album complet Perfect Velvet: Le 2e album — une version améliorée de leur concept de velours, en tant que leader Irene le met – le quintette sature son son de velours plus discret avec des styles pop rouges emblématiques : xylophones, claquements de mains, talk-singing et production électronique percutante. Enfilés avec des harmonies complexes et superposées, Velours parfait présente Red Velvet dans sa plus grande maturité sonore (I Just, Kingdom Come) et la plus expérimentale (Attaboy). Un solide effort complet dans une industrie définie par les singles numériques, les 31 minutes du LP — la brièveté est l'âme de la pop, après tout — sont parmi les plus sublimes du genre. — MONIQUE MELENDEZ
est salice rose bi
Ecoutez: Apple Musique | Spotify
olivia bastianich âge
DJ Seinfeld
Temps passé loin de toi
(Fureur de homard)
Quand Armand Jakobsson sort son premier EP fin 2016, le producteur suédois expliqué comment son homonyme adoptif, DJ Seinfeld, reflétait sa philosophie directrice : Je veux vivre la vie sans compromis comme le fait Kramer, la façon dont il se lance sans crainte dans la prochaine aventure. Temps passé loin de toi , son premier long métrage pour le label électronique excentrique britannique Lobster Fury, tient parole, poussant la musique house au-delà des standards de quatre sur le sol avec des atmosphères woozy downtempo, des breakbeats et des riffs de piano sensibles. Dans le genre sursaturé de la musique de danse lo-fi, la sincérité et le sens de la personnalité sont malheureusement rares, mais Temps passé loin de toi offre les deux à la pelle. L'échantillon vocal rêveur et mélancolique de l'ouverture de l'album I Hope I Sleep Tonite imprègne les synthés creux et les charlestons d'un sens du mélodrame généralement réservé aux groupes emo, tandis que la délicate progression d'accords sur U Hold Me Without Touch fusionne l'esthétique incroyablement disparate de la house musique et ballade pop. Alors que de nombreux producteurs lo-fi semblent se contenter de se cacher derrière des références obscures à la culture pop et des blagues internes, Jakobsson prouve qu'il est toujours cool de porter son cœur sur sa manche. — ARIELLE GORDON
Ecoutez: Camp de bande
Les Courtney
II
(Nonne volante)
Le trio slacker-rock de Vancouver, les Courtneys, joue un style post-punk délicieusement décalé. Signé chez Flying Nun Records de Nouvelle-Zélande, letout-fillegang reçoit naturellement des comparaisons avec des groupes de rock kiwi comme les Clean et les Bats, mais le deuxième album du groupe II est le genre de rumination néo-grunge-pop dont sont faites les bandes sonores de road trip - accroches contagieuses, arrangements serrés et angoissant-mais-des paroles toujours gaies. L'ouverture propulsive Silver Velvet et la piste d'adieu déformée du Minnesota sont toutes deux remarquables, tout comme 25, qui comprend le haussement d'épaules juvénile et sérieux: Quand six mois passeront / Aurai-je fait durer / Je doute que j'aurais essayé / Parce que je suis a Gémeaux / Et je change d'avis. Faites la queue jusqu'à ce coup dormant et laissez le tapotement du volant commencer. — LIZ CANTREL
Ecoutez: Camp de bande | Apple Musique
Annie Anxiété
Possession d'âme
(Dais, Réédition)
Annie Anxiety, également connue sous le nom de Petite Annie , officiellement connue sous le nom d'Annie Bandez, née à New York, fait partie de l'équipe d'artistes et d'interprètes qui ont émergé de l'orbite de la fin des années 70 de la communauté punk anglaise Crass. Son travail et son association avec Penny Rimbaud l'ont amenée à rencontrer le producteur de dub Adrian Sherwood, au début de sa riche carrière.(Elle finira plus tard par vivre dans un hangar dans le jardin de Sherwood et Possession d'âme est souvent confondu avec une sortie sur son label U-Sounds.)Après son premier single sorti sur Crass Records avec Rimbaud en 1981, Annie a pris une poignée d'échantillons crasseux, de boucles de bande et de paroles aux Southern Studios à Londres où elle, Sherwood et une distribution tournante de joueurs ont traduit sa poésie foutue en résumé. dub béton industriel. Le résultat sortira en 1984 sur les disques Corpus Christi de John Loder sous le titre Possession d'âme ; les tentatives de réédition du disque ont été étouffées par des demandes financières exorbitantes, jusqu'à la mort de Loder en 2005 et Ryan Martin de Dais a pris le relais, plusieurs années plus tard. Mais les thèmes de l'effondrement social, de la violence interpersonnelle et du fait de se cogner la tête contre le mur sonnent peut-être plus vrai aujourd'hui qu'ils ne l'étaient en 1984. Il y a tout un secteur de la société qui pense que le monde a changé le jour des élections, raconte Annie à Aulamagna depuis Miami, où elle vit depuis trois ans. Sur quelle putain de planète vis-tu ? Les choses ne sont pas si différentes. C'est juste plus insultant maintenant. Le maquillage est éteint. Possession d'âme regarde franchement ce qu'il y a sous cette peinture faciale - une expression brutale et brutale de la vie sous des institutions oppressives. — DALE W. EISINGER
Ecoutez: Apple Musique
Lancer de guérilla
GT Ultra
(DFA)
Personne d'autre ne le fait comme les punks avant-acides Lancer de guérilla . Combinant du noise-rock épais, du funk et du dance punk, l'acte de New York by-way-of-Boston crée quelque chose de extrêmement étrange à partir de ses influences disparates, alors que des guitares stridentes et des synthés silencieux se heurtent dans une dissonance de course. Le mois de juin GT Ultra , le groupe à l'esprit DIY s'éloigne du chaos pour révéler un disque art-pop savamment conçu qui ne sacrifie pas ses racines expérimentales. Des morceaux comme Skull Pop et The String Game transforment la voix jadis mordante du poète Kassie Carlson en quelque chose d'étrangement réconfortant, avec une voix plus douce, presque Stéréolab touch, tandis que Dog In The Mirror et Can I Get The Real Stuff poussent le post-punk à son point de rupture dans un bonheur frénétique et enduit de synthé. Jamais loin d'un crochet sucré, GT Ultra trouve le groupe à son plus serré en studio, avec une clarté d'intention finalement aussi ambitieuse que son spectacle en direct dingue . — ROB ARCAND
Ecoutez: Camp de bande
Circuit Des Yeux
Atteindre l'indigo
(Traîner la ville)
Haley Fohr, auteur-compositeur-interprète basé à Chicago, crée des albums d'auteur-compositeur-interprète audacieux et expérimentaux depuis près d'une décennie. Mais au cours des quatre dernières années environ, ses enregistrements sont progressivement devenus moins lo-fi, avec leurs épisodes de bruit caractéristiques et leurs hurlements sans paroles prenant le pas sur son écriture de plus en plus habile et lyrique. L'année dernière, sous le pseudonyme de Jackie Lynn, elle a sorti un album qui, avec sonnuances solitaires de Bobbie Gentry et Jimmy Webb - étaitlargement identifié comme une expérience country, même si les chansons étaient principalement animées par des arpégiateurs et des boîtes à rythmes endommagés. Cinquième de Fohr en tant que Circuit Des Yeux et premier pour Drag City, Atteindre l'indigo est encore plus difficile à résumer. Le disque forge des liens improbables entre les styles de musique avant-classique, électronique et folklorique, mais l'attraction centrale est la voix saisissante de contralto de Fohr, qui plane de manière obsédante au-dessus des décors rythmiques enchevêtrés du groupe. Malgré ses tendances fortement avant-gardistes et ses détournements synthétiques, Atteindre l'indigo est, en son cœur, un disque de rock terreux - juste un disque qui peut être cathartique et punitif à la fois. — WINSTON COOK-WILSON
lena sved
Ecoutez: Camp de bande
Les anges noirs
Chanson de la mort
(Partisan)
Les Black Angels sont un groupe néo-psych d'Austin, au Texas, qui a décroché de la musique dans la série HBO Vrai détective et un Publicité Budweiser , mais d'une manière ou d'une autre, ils n'ont jamais vraiment eu leur juste dû.Après 13 ans, ils ont enfin tenu toutes les promesses de la chanson Velvet Underground dans leur homonyme avec leur cinquième LP, 2017 Chanson de la mort— maîtriser une sensation bourdonnante et garage-rock enracinée dans le passé, mais pleinement présente dans le moment. Sans surprise austère, Chanson de la mort résume parfaitement l'ambiance de l'année écoulée.— JORDANIE FREIMAN
